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Yes I can!
Un portrait du pouvoir
por Avelino Sala
Always Elizabeth (Eugenio Merino)
Alain Badiou remarca lucidamente en su texto “Las condiciones del arte contemporáneo” publicado en “El arte no es la política/la política no es el arte” editado por Brumaria, que “nada debe ser contemplado pero todo debe ser consumido y que el arte debería transformarse en algo mas que la crítica, en algo mas afirmativo, buscar las cosas positivas pero escondidas, y ello manteniendo sus orientaciones contemporáneas y su importante violencia critica”.
Dentro del contexto del festival FILAF 2016, Festival Internacional de libros de arte y documentales, celebrado en Perpignan en Junio, se presentó la exposición “Yes I Can” comisariada por el director del propio Festival, Sebastien Planas, en el Centro de Arte contemporáneo Walter Benjamin.
La tesis de la exposición se enfoca en plantear desde diversos planteamientos artísticos y de muy diferentes artistas, el cuestionamiento del poder. Una obsesión para muchos de ellos que de diferentes maneras, visiones o planteamientos se enfrentan a este complejo trabajo, si atendemos a la afirmación de Badiou en el citado libro, el artista logra encontrar las cosas positivas pero escondidas sin perder violencia critica, sin perder intensidad.
Todos sabemos que las relaciones del poder para con el arte (y viceversa) siempre se han mantenido en un extraño juego de tiras y aflojas. Es imposible históricamente, desvincular el arte del poder o verlo de forma autónoma. El arte actual entra continuamente en ámbitos de una marcada ambigüedad, “la critica desde dentro”, esa estrategia que todos hemos usado alguna vez para defender nuestra obra, conlleva muchos matices y en muchos casos arrastra contradicciones que artistas como por ejemplo Andrea Fraser han llevado a un limite extremo: La critica institucional desde el mismo seno de la institución.
Sin embargo en la exposición “Yes I can” los derroteros van por otro lado. Aquí se trata claramente de obras que representan a los poderes fácticos: El poder político, el poder de la Iglesia y o la monarquía y en algún caso los regímenes dictatoriales. Los nuevos y los viejos poderes. Representación directa de este tiempo en el que la ciudadanía ha perdido voz, si es que alguna vez se nos ha oído.
Cabria destacar como hilo conductor formal en varias de las piezas de la exposición la representación figurativa del político, del rey, del dictador: Véase la obra de Ange Leccia, Frederic Pardo, Stephane Pencreach, Philipe Mayaux, que acuden a la imagen de personajes fundamentales de la historia del siglo XX. De alguna manera cuestionan tanto la propia historia como la pintura de corte, por ejemplo en la pieza de Bernard Pras, donde rehace el retrato de Louis XIV en una fotografía con materiales consumibles de un supermercado, chocolatinas, papel higiénico, leche, galletas y demás. Por otro lado Bertrand Planes nos ofrece una copia casi exacta del mismo cuadro pintado por Hyacinthe Rigaud, con la pequeña diferencia de que una pequeña parte esta descuadrada, hay un salto, el cuadro ha sido encargado a china en una de esas empresas que te hacen copias exactas de lo que tu quieras, el artista quiere remarcar que es una copia de encargo a terceros.
Interesantes también las piezas de Yao Quingmei y de Vincent Ollinet, asi como la obra de Bruno Peinado, una de esas esculturas del Bibendum de Michelin en clave de black power.
Alexander Kosolapov presenta un bronce exótico , una composición al estilo clásico de 3 personajes agarrados de la mano: Jesucristo, Lenin Mickey Mousse, una triada temible. Mientras que Pierre Laniau ofrece fotografías de Bill Clinton o Hollande intervenidas con pintura, Omar Victor Diop trata el tema de las colonias francesas y el deporte rey, el fútbol, así como Kehinde Wiley. Por su parte el colectivo Taroop & Glabel se enfrentan a la religión y el sexo con un collage objetual y una pintura, o Philippe Mayaux acude a un Hitler suavizado casi naif que nos inquieta sobre manera.
En su video Mr.Hyde, Carlos Aires nos lleva al interior del Museo Cerralbo de Madrid donde dos policías antidisturbios bailan un tango en un momento cargado de una intensa estetica rococó, mientras que Eugenio Merino destapa la caja de Pandora con dos piezas:
La primera y quizás mas rotunda de toda la exposición que se encuentra en un ventanal que da a la calle, Always Elizabeth nos presenta a la reina Isabel de Inglaterra dentro de una nevera de Coca Cola, mientras que en la otra presenta una urna de votaciones en la que aparte de las papeletas se encuentra una cabeza de Francisco Franco.
Hay otras piezas interesantes en el proyecto, como las de Arnaud Labelle Rojoux, Ange Leccia o Claire Fontaine,Michael Patterson-Carver, Philippe Ramettem así como Alain Declercq realizando retratos de políticos a base de balazos o Adrian Melis con sus fotografías de pintadas borradas en las calles, con el titulo genérico “Un pueblo ignorante suele elegir un gobierno ignorante”. Yes I Can! Hace una reflexión que bien podría acabar con esta sentencia, lo que nos debería hacer pensar que quizás todos tenemos parte de culpa, al menos estamos a tiempo de ponerle remedio.
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Alighiero Boetti: Game Plan
Avelino Sala
Hacer mapa, como lo hacen la orquídea y la avispa, es más acción que representación; la cartografía, antes que representar un mundo que esté ya dado, supone la identificación de nuevos componentes, la creación de nuevas relaciones y territorios, de nuevas máquinas. (mil mesetas)
Deleuze y Guattari
En el tiempo actual quizás sea una suerte de pertinente paradoja hacer una retrospectiva de uno de los artistas tempranos y fundamentales del PoveraCelantiano. En estos tiempos en los que parece que todo se empobrece no podemos obviar que la palabra povera en italiano es pobre. Si las miserias de un mundo que parece camina hacia el caos y la destrucción en el tiempo en el que lo económico prima sobre todas las cosas, llevar a Boetti ( 1940-1994) de manera retrospectiva a tres grandes museos internacionales como son el Reina Sofia, la Tate y el MOMA (Comisariado por: Lynne Cooke, Mark Godfrey y Christian Rattemeyer), podría entenderse como un ejercicio de resistencia o rebeldía desde la perspectiva de lo simbólico y atina en el centro de la diana de una sociedad que sin duda, navega la deriva.
Los mapas, ese espacio cartografico en el que Deleuze y Guattari se mueven como pez en el agua y que por otra parte sirve a Boetti, uno de los artistas mas importantes de la segunda parte del siglo xx, como escenario repetido obsesivamente al que tantas veces acudía este artista parece en estos momentos, mas que nunca, un espacio de batalla. Este magnifico artista Turines, que abandono estudios de economía para dedicarse al arte, compartió ideas, caminos (de forma breve) con gente como Pistoletto o Merz en los años sesenta, para luego trabajar en una linea propia, que reforzó a través del viaje personal, encontrandose con culturas no occidentales y ll4vando partes de estas a su trabajo. Sus viajes por Afganistán, Rusia, Etiopía etc. enriquecieron una obra que jamas volvería a ser la misma. Es evidente que el proceso del “viaje” como medio familiar para el conocimiento y el crecimiento personal del artista genero todo un nuevo abanico de posibilidades de trabajo que Boetti exprimió y rentabilizó a la perfección . En este proyecto expositivo retrospectivo, es donde sin duda se traza el mayor “juego cartografico” sobre la obra de un artista que salto de manera veloz del barco del povera para hacer una carrera solitaria, inquieta, intensa y apasionada.
Su obra no deja de ser un ejercicio continuo de reinvención propia como artista, obsesionado por el sentido de la autoría como tantos otros, pero llevando a la practica ese cuestionamiento y convirtiendo la colaboración grupal en una parte fundamental de su obra. Ya sea colaboración artesanal, estudiantil o de asistencial, esa ayuda es,sin duda imprescindible para finalizar los trabajos. El azar o lo que el artista llamaba“felici coincidenze” es una cuestión nada baladi en el trabajo de Boetti, Este juego, también forma parte de su proceso creativo, la casualidad para la finalización de sus proyectos esta ahí, latente unas veces mas visible otras. Cuando la complicidad y/o el juego con el espectador llega a completar la obra, esta acaba por funcionar.
Si el arte ha de ser comunicación no podemos negar que Boetti es un gran comunicador. Desde sus obras de mail art a sus piezas pasando por sus dibujos, tapices y obras objetuales. En esta exposición fundamental para conocer su trabajo de una manera completa hay mas de cien piezas que recorren su trayectoria y que nos hacen ver que todo su trabajo desarrolla niveles de comunicación importantes, la obra, que en algunos casos puede encriptarse no lo hace de manera total, y la lectura conceptual, poética esta abierta y es accesible. Conviene recordar que el artista es un extraño ser que se mueve en la tierra de nadie, entre la popularidad y el anonimato, entre lo colectivo y lo egoísta, un ejercicio de contradicción puro. Una suerte de crisol, de maquina de digerir los tiempos y darle forma a una representación formal, teórica y visual de los acontecimientos. Y es por esto que Boetti con su trabajo es, aunque haya un lapsus de tiempo importante desde sus ultimas obras hasta la actualidad, pertinente.
Esta exposición recoge ese tipo de obra atemporal, adjetivo con el que me refiero a su trabajo no solo por la calidad y la lectura de los mismos sino también por que en este tiempo circular, vemos que todo vuelve, y que las obras de Boetti sobre la identidad, el tiempo, la idea de estado, de control, etc. no solo son actuales o extrapolables al aquí y ahora , sino que cuestiona este mismo momento desde el pasado. Una manera visionaria de entender la creación.
¿Será que el artista es capaz de ver mas allá de su momento? Puede ser, de lo que no cabe duda es de que Boetti lo hizo, eso si, lanzando preguntas cargadas de una poética visual rotunda, en la que lo conceptual no se diluye si no que se complementa conformando un mapa final de su obra que nos muestra que el arte, todavía, puede valer para algo y que hacer mapas es quizás un ejercicio infinito, como el de Penelope, deshaciendo lo hecho para volver a empezar el mismo tejido, el tejido de un mapa que no se acaba nunca. Ese mismo mapa que no deja de ser un libro, un cuaderno de viaje, una historia, la de un artista que entendió todo esto y lo llevó a su obra, en muy diversos formatos, todos ellos delicados, poéticos y sumamente comprensibles, como la propia idea de arte de Boetti, donde el pensamiento cumple una función fundamental en su trabajo, completar la obra.
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You and Eye. La percepción y la ciudad
Astrid Orive García
Colateral a la 11na Bienal de La Habana, una nueva edición de la plataforma de videocreación y arte público Proyecto Circo, desde ahora llamada Circuito Líquido, presentó una interesante propuesta de videos de artistas de variadas nacionalidades y generaciones. Desarrollada entre el 11 y el 18 de mayo de 2012 en el Centro Cultural de Plaza, la muestra, titulada You and Eye. Cartografías existenciales e itinerarios urbanos,i se estructura a partir de un discurso que versa sobre la dinámica de la vida contemporánea y las cambiantes relaciones interpersonales, y de los seres humanos con su entorno. Los trabajos aquí reunidos tienen como leitmotiv la ciudad vista a partir de diferentes subjetividades, es decir, la estructuración de una percepción de la vida construida desde las diversas experiencias humanas, con la memoria modelándolo todo. Mucho más que un simple mosaico de creaciones, Circuito Líquido presenta un manifiesto poético muy crítico de la sociedad actual.
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La revista Sublime. Arte + Cultura Contemporánea nació en el año 2002 gracias a la iniciativa del artista plástico Avelino Sala y el crítico de arte José Luis Corazón Ardura quienes la codirigieron junto al equipo artístico PSJM en un proincipio.
Sublime. Arte + Cultura Contemporánea edita un monográfico anual en papel y difunde contenidos diversos, todos ellos relacionados con la cultura contemporánea en sus diversas manifestaciones, a través de su versión digital.
Sublimeart.net ha ido evolucionando desde su estreno en la web. Recientemente, y con motivo de la celebración de la feria de arte contemporáneo ARCO 2011, estrenó su última versión en la que se ha propuesto un nuevo diseño basado en una estructura de contenidos más organizada y en un planteamiento visual renovado y diáfano.
Como parte de este proyecto de expansión a través de los medios digitales, Sublimeart.net ha puesto en marcha su propia página en la red social Facebook para promover el diálogo y la participacion de sus lectores. Es, asimismo, el soporte principal de difusión de Commission Curatorial Group, una plataforma de mediación cultural para la comisión de exposiones, la realización de proyectos artísticos y la divulgación.
Sublime. Arte + Cultura Contemporánea y su vástago natural Sublimeart.net ofrecen un espacio alternativo y libre para la reflexión y la divulgación de todo aquello relacionado con la cultura y el arte contemporáneo entendidos como elementos activos y claramente integrados dentro de la sociedad.
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Asediar para defenderse, asediarse para no ser defendido. Pequeñas notas en torno a la defensa
Avelino Sala
2010/02/26
«Se acabó la guerra, las palomas negras encanecen y los mutilados entierran sus miembros.»
Miguel Ángel Curiel
«Y ahora danos una muerte honorable, vieja madre prostituida, Musa.»
José Ángel Valente
Si nos tomáramos en serio la vida, estaríamos siempre a la defensiva. En guardia, al tanto, sin un momento para la relajación o el descanso. Tendríamos siempre el escudo puesto, la coraza, el artilugio, seriamos inexpugnables. Pero no nos tomamos la vida en serio.
En la antigua Roma había una práctica militar muy utilizada en los asedios por las legiones llamada «la tortuga». Dicho ejercicio consistía en que se cubrían con sus escudos solapándolos a modo de caparazón. Mientras que la primera fila de hombres protegía el frente de la formación con los suyos, seguidamente los levantaban hasta el centro de su cara. Si fuera necesario, los soldados de los flancos y los de la última fila podían también cubrir los lados y la parte posterior de la formación, aunque entonces la protección de la capa de escudos que cubría el cuadro no se cerraba totalmente al reducirse su número. Seguir leyendo
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Hacia una redefinición del proletario
Ernesto Castro
2010/06/02
Según la tradicional definición, proletario es aquél trabajador perteneciente a la clase alienada: el producto de su trabajo, del que previamente se le ha sustraído, se le opone como ente extraño (muy edípicamente: violación del origen), rodeado de un aura de fetichismo, sobre el cual se proyecta una suerte de deseo frustrado. Marx escribe: “La desvalorización del mundo humano crece en razón directa a la valorización del mundo de las cosas. El trabajo no sólo produce mercancías; se produce también a sí mismo y al obrero como mercancía, y justamente en la proporción en que produce mercancías en general.”[1]
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THE TURN OF THE SCREW. Una propuesta modélica
Julio César Abad Vidal
2010/11/22
Esta versión de uno de los títulos más asombrosos ya no de su autor, Benjamin Britten, sino de la historia de la ópera del siglo XX, The Turn of the Screw (Otra vuelta de tuerca, habríamos de traducir, como hiciera tan celebradamente José Bianco), habrá de resultar tan memorable para sus espectadores como lo fuera aquélla representada en el Teatro de la Zarzuela hace ya once años con el protagonismo dramático y vocal de un extraordinario Donald Kaasch (Peter Quint, ocupándose, como es habitual, asimismo del prólogo ) y de una sobrecogedora, como es norma, Raina Kabaivanska (en el papel de la institutriz).
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Paul Graham entrevistado por Jose Luis Corazon Ardura
El fotógrafo inglés Paul Graham -1956– expone en La Fábrica A Shimmer of Possibility, una serie de imágenes donde se acerca a la sociedad norteamericana y a sus contradicciones. Cuestiones que se dirigen a comprender el dualismo entre la realidad y la posibilidad del lugar de la fotografía, a través de la observación de lo cotidiano. Seguir leyendo
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